画《大宫女》的安格尔,他有一把小提琴

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画《大宫女》的安格尔,他有一把小提琴

文艺复兴早期的画家借助科学知识,极力让二维平面具有三 […]

文艺复兴早期的画家借助科学知识,极力让二维平面具有三维空间感,使画面中的人物和场景生动立体,甚至达到错觉效果。这种传统到了19世纪的新古典主义达到巅峰,代表人物雅克·路易·大卫——他的《拿破仑一世及皇后加冕典礼》《跨越阿尔卑斯山圣伯纳隘道的拿破仑》等诸多名作,在卢浮宫每天接受众人膜拜。安格尔是他的学生,接受了新古典主义的重视素描、理性、构图完整等后,安格尔居然“倒退似的”运用了二维结构,并且不再精准运用透视法和解剖学。这种平面的、看起来有些变形的构图,空前剖析了线条的抽象形式,不再为表现一个具象的世界,不再关心戏剧化中心及优美的形体,而是要详尽地塑造表层的形象。

听起来好像变得不深刻了,但的确在古典的肃穆上,在构图完美上,在视觉的震撼上,都达到了一个新的美学高度,并且直接催生了立体主义和抽象绘画。

画《大宫女》的安格尔,他有一把小提琴

1804年《戴耳环的青年男子》(安格尔博物馆,法国蒙托邦,画家故乡)

画面可以看出安格尔最具代表性的平面构图偏好和空间压缩原则。背景墙的单色,使观众的视线很难再向后进行延伸,只能专注于前景的男子头像。背景色、发色、外衣色和内衫色,都被画家细致地处理,包括人物面部每一寸肌肉都有色彩的微妙差别,这使得即使不进入三维空间,你仍然在最平面的头像中感受到颇具戏剧效果的表情。

画《大宫女》的安格尔,他有一把小提琴

1806年《凯罗琳·里维勒》(卢浮宫博物馆,巴黎)

在透视法则里,要依靠想象来推知不同部位的存在姿态,但这幅画里的肩膀和右手却被合并成没有立体感的二维形式。另外画家也没有依照人体解剖学,人物的右胳膊,为了完善椭圆形构图而被明显地拉长了——当时的批评家把这个设计意图理解为没有正确掌握解剖学。13岁的少女形象几乎和她身边的环境没有融合,并且形象和风景的独特性不是通过透视,而是通过构图组合而获得。

画《大宫女》的安格尔,他有一把小提琴

1806年《艾蒙夫人》(又名《美丽的吉莉》,艺术博物馆,鲁昂)

胸部被处理成侧面形象,脖子转向观众,头部几乎是正面角度,这些显得与身体的连接十分不自然。眼部周围和左脸颊是正面的,但嘴巴和鼻子却向右脸倾斜,以便能够完全遮蔽正面的角度。这样的畸形在安格尔作品中并不少见,导致了在他的形象设计和立体主义的创新之间形成了一种对比。

沙龙的批评家没有意识到,安格尔已经从肖像画题材发展出独特的构图形式。在那个还以历史画题材为重的时代,他首先以最传统的历史画取得巨大成功——1801年《阿喀琉斯会见阿伽门农的使者》赢得了罗马奖,1806年《作为朱庇特登基的拿破仑》轰动画坛。

之后,为了实现内心更强大的艺术理想,他着力在构图组合上下功夫,他的肖像画因在平面上自由优美的线条组合而有别于其他肖像画,甚至连画面上与解剖学的差异也被容忍了。他创新地把“自发之美”而不是“教条之美”作为视觉艺术的终极任务。

1806年安格尔在写给未来未来岳父的信中说,“没错,艺术当然需要重塑,而我正想成为这个革命者。”

安格尔1867年去世,1900年之后的绘画激进变革中,古典气息的安格尔,居然被奉为前卫派,因为他的艺术开拓出一个前所未有的通向现代主义的道路。20世纪初的法国,正在努力战胜过去几个世纪艺术表达的孤立性,艺术家的主观论调和为艺术而艺术的观念,曾在19世纪毫无意义,但却在未来被不断强调。

安格尔的作品对众多艺术家的直接影响反映出十分矛盾的状况:前卫派们从这位获得过学院沙龙名誉的画家那里,追寻着形势语言的独特性,立体主义和抽象绘画的实践者把安格尔奉为一个形式的创新者和先驱。尽管它们看起来和新古典主义背道而驰,但实际上它们正是完成了安格尔作品的逻辑法则,并最终超越了这个法则所能表达的可能性。

画《大宫女》的安格尔,他有一把小提琴

1841年《大宫女》(卢浮宫博物馆,巴黎)

安格尔的《大宫女》,对人体自由线条的简洁性达到了一个高峰。这种斜倚的裸体女仆的传统,可以回溯到提香的《乌尔宾诺的维纳斯》以及之前的文艺复兴的经典之作。之后也影响了1863年爱德华·马奈的《奥林匹亚》。

《大宫女》那显而易见的多出的三截脊椎骨,以及与脊柱、腰身呼应而被粗细一致拉长的手臂,这种解剖结构上的变形,在1841年被大众鄙视和嘲笑,但到了毕加索那里却被尊为“自由适应性在结构上的优秀体现”。

画《大宫女》的安格尔,他有一把小提琴

帕布鲁·毕加索《大宫女》(仿安格尔。毕加索博物馆,巴黎)

现代主义的艺术家对安格尔作品专注地学习。激发了立体派艺术运动的毕加索,在诸多方面受到安格尔的影响。大胆改写的水彩作品《大宫女》,以夸张的方式重新处理了结构,看出安格尔艺术中的形象、空间、色彩和线条组合对毕加索的吸引。

画《大宫女》的安格尔,他有一把小提琴

1856年《伊娜斯·穆瓦特西耶夫人》(国家美术馆,伦敦)

安格尔用了10多年完成油画《穆瓦特西耶夫人》,这是他晚年成就最高的杰作之一。因为极为严格的结构安排,最初的尝试被不断否决,画家几乎绝望地寻找一个能实现他艺术构思的绘画形式。安格尔找到了从平衡简单的肖像画风格中解放出来的方法,把目标对准“仅仅再现模特的结构组合之美”。

画《大宫女》的安格尔,他有一把小提琴

1932年帕布鲁·毕加索《玛丽·泰雷兹·瓦特》(又名《拿着书的女人》)(诺顿·西蒙基金会,帕萨迪纳)

毕加索从穆瓦特西耶夫人肖像画中,直接意识到安格尔作品的现代性,并根据新古典主义画家提供的范例,创造了他自己的小姐形象,通过抽象式的结构安排,表现出了激进的一面。这位艺术家的美丽情妇,在画中扮演了穆瓦特西耶夫人的体态,画面左面同样有窗户,人物右侧也是一面镜子,让观者看到人物肖像侧面的清晰轮廓。毕加索当然不是在简单模仿,他在认真学习了人物体态和空间位置后,把安格尔严谨的美学结构基础,准确运用到自己的后现代作品中去。画面结构从“忠实自然”中剥离,镜中的影子也不再是真实反射的位置。毕加索其实和安格尔一样,都努力从全新角度来完善画面中的这场表演。

站在新古典主义和现代主义抽象艺术边界上的安格尔,被他之后的艺术家敏锐感知到其作品中所投注的超前性,艺术媒介从仅服务于图像的传统功能中得以释放,这不仅深深吸引了毕加索,深受安格尔影响的还有一些列的大师级画家:埃德加·德加,保罗·塞尚,克劳德·莫奈,奥古斯特·雷诺阿等等。

画《大宫女》的安格尔,他有一把小提琴

1808年《瓦平松的浴女》(又名《大浴女》,卢浮宫博物馆,巴黎)

安格尔一生对古典主义及其大师有着无比深的敬意,也正是因为他对于一切传统绘画技术掌握到极致,才使得美术史有了出现拐点的可能性。他曾经宣称:“对待古人奇迹般的创作,一点怀疑也不该有,如果指望不必研究古代希腊和古典作家也可以过得去,那不是痴人说梦就是太过懒惰。……模仿古人一点也不丢脸,他们的创作就是一座巨大的宝库。……在菲狄亚斯和拉斐尔之后,艺术未曾有过任何重大变故。但是在这个领域里,为了支持对真理的崇拜和保持美的传统,始终都可以有所作为。”安格尔对古典艺术的迷恋,促成了他绘画中的“自然观”,并初步体现在1808年创作的《瓦平松的浴女》。受古典主义训练的安格尔,对画面结构完美的追求远胜于对人体自然的描绘。人像虽奇怪,画面却堪称完美,出处可见黄金三角形构图。

安格尔的作品借助肖像画来分析形式,穿越了传统美学中的解剖和透视法则,接着,现代主义的画家们又运用自己的理解,再次穿越了安格尔。

画《大宫女》的安格尔,他有一把小提琴

安格尔的小提琴

他父亲是当地颇有名望的雕塑家、建筑师、绘画教授和音乐家,幼年起教他音乐和绘画,不过他却把明显比他英俊的父亲画成了中产阶级市民气质的形象。安格尔13到16岁时还在图卢兹剧院乐队当第二小提琴手,补贴自己的绘画课支出。他是莫扎特的铁粉,和同时代的帕格尼尼是知音,李斯特听过他的琴声说“甚是动听”。

“安格尔的小提琴”已成著名谚语,可以暗指“业余的”,更可指“钟爱一生,却不以此为生”。

作者 | 理由

微信编辑 | 李昊原

审稿编辑 | 鑫荻

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